주제별 그림들2010. 2. 25. 14:52



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장 프레데릭 바지유(Jean Frédéric Bazille,1841년 12월 6일–1870년 11월 28일)인물 묘사로 잘 알려진 프랑스의 인상주의 화가이다.

랑그도크루시용의 에로 데파르트망에 있는 몽펠리에에서 중산층의 개신교 집안에서 태어난 바지유는 외젠 들라크루아의 작품들을 본 뒤 그림에 흥미를 갖게 된다. 그의 가족들은 그가 의학을 공부할 것을 전제로 그림을 공부하는 것을 허락했다.

바지유는 1859년 의학 공부를 시작했다. 그는 1862년 공부를 계속하기 위해 파리로 이사한다. 여기서 그는 인상주의 화가가 되는 피에르오귀스트 르누아르를 만났고, 샤를 글레르의 수업을 듣게 된다. 1864년 의학 시험에 불합격한 뒤 바지유는 모든 시간을 그림을 그리면서 보낸다. 그의 친한 친구들 중에는 클로드 모네, 알프레드 시슬레, 그리고 에두아르 마네 등이 있다. 부유한 가정에서 태어난 바지유는 그의 작업실 내부의 공간이나 그림에 필요한 재료 등을 제공해 주면서 이 예술가들을 지원해준다.

바지유는 〈분홍 드레스〉를 포함하여 여러 유명한 그림들을 그렸을때 불과 23세였다. 그의 가장 유명한 작품은 〈재결합한 가족〉(1867년–1868년)이다.

프레데릭 바지유는 1870년 29세의 나이로 사망한다. 프로이센-프랑스 전쟁 도중 루아레의 본라롤랑드에서 전사했다.



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프레데릭 바지유는 1841년 몽펠리에에서 태어나 그곳에서 의학을 공부했다. 그는 파리로 이주한 그의 삶을 회화에 헌신하기로 결정했다. 당시 파리에 있던 샤를 글레르의 아틀리에에서 그는 클로드 모네, 오귀스트 르누아르, 그리고 알프레드 시슬레를 만났다. 특히 그는 클로드 모네와 깊은 관계를 유지했다. 모네는 바지유가 자신만의 양식을 찾을 수 있도록 격려했고, 어려운 시기에는 번갈아 돈을 빌려주기도하며 도움을 주고받는 친구관계였다.

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<가족모임>은 외광 묘사에 대한 열정과 풍경 속의 인물이라는 테마에 대한 화가의 관심을 잘 보여주는 작품이다. 바지유는 젊은 나이에 죽음을 맞이하여, 인상주의 운동에 대해 알 수 없었지만, 이미 <가족모임>과 같이 그의 작품에 나타나는 투명한 색채는 훗날 인상주의 운동의 성과를 예견하고 있었다.

동시대 모네의 작품, 예를 들어 오르세 미술관에 소장된 <정원의 여인들>등에 비하면 빛의 효과에 대한 묘사는 미흡하다. 그러나 화면 속에 나타는 몇 가지 요소들, 즉 지면에 쏟아지는 태양광으로 인한 얼룩과 맑고 투명한 하늘, 그리고 한 가족을 관통하는 특징적인 분위기 등은 틀림없이 인상주의를 예견하는 기법들이다.

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비슷한 시기에 모네 역시 풍경 속의 인물이라는 테마에 관심을 기울였다. 그러나 이 테마는 모네와 바지유에게서 서로 다른 결과로 나타났다. 모네의 작품에서 인물은 단순히 빛의 효과를 연구하기 위한 도구로 사용된다. 그러나 바지유가 그린 단체 초상화에서는, 그 안에 묘사된 인물들의 표정과 특징이 가장 중요한 요소이다.

자연 풍경 속에 있는 인물을 묘사하는 것은 바지유가 선호하는 테마였고, 실제로 그는 이러한 테마의 작품을 여러 점 제작했다. 예를 들면, 오르세 미술관에 소장된 <빨간 드레스>에서도 이 같은 테마를 엿볼 수 있다.

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또한 바지유는 균형 잡힌 화면구성에 능숙했다. 그의 작품에서 인물들은 그들을 둘러싸고 있는 배경에 조화롭게 녹아든다.

이와 같은 세부묘사는 프레데릭 바지유의 간단하지만 흥미로운 가르침이 인상주의 운동에 미친 영향을 보여준다. 예술에 대한 바지유의 견해는 누구보다도 모네에게 커다란 영향을 미쳤다. 바지유와 훗날의 인상주의자들과의 밀접한 관계는 그와 절친했던 예술가들의 일상생활을 화면 속에 묘사한 1870년 작<화가의 아틀리에>에 나타난다. 이 작품 역시 오르세 미술관에 소장되어 있다.



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ETC2010. 2. 18. 16:24



20대의 혈기왕성했던 시절의 화가 강정일은 그야말로 세상에서 제일 잘난 작가였다. 세상물정도 모르고 화가라는 낭만적인 기분에 취해 오로지 그림만 열심히 그렸던 시기였다. 80년대 다양한 미술경향들이 대두되던 시절 청년 강정일은 지금의 화풍과는 다른 극사실주의초현실주의에 기초한 몽환적 느낌의 작품들을 그렸었다. 보고 느낀 것을 그림으로 재생해내는 일종의 교과서적인 작품과정이었다. 그러나 지금의 화가 강정일은 과거의 기억,추억 등을 소재로 한다. 그리고 소재는 다시 화가 내면의 창작의 공간에서 재해석되어 현재로 재생된다. 과거의 단초가 매개가 되어 2차원을 넘어선 3차원 심상표현의 기술로 진화한 것이다. 그러나 과거나 지금이나 본질에 있어서는 같다고 말한다. 화폭에 옮겨지기 전까지 꾸준한 에스키스의 반족을 통하여 내 느낌과 감각을 표현하는데 있어 가장 효과적인 전달방법을 모색한다는 것이다. 과정과 표현은 달랐지만 결국은 어떻게 더 ‘나’다운 그림을 그릴것인가에 관한 모색인 것이다.


-작가소개-

강정일작가/미술제 서양화부문 수상작가

서라벌예대,한성대학교 미술과 졸업

프랑스 리옹국립미술학교 회화전공 졸업

개인전14회,개인부스전4회

단체전200여회

대한민국미술대전

강남미술대전 심사위원

행주미술대전 심사위원

경기미술대전 심사위원

한성백제미술대전 운영위원장 역임

송파미술가협회회장 역임

송파미술가협회 고문

한국미협 이사

서울방법전, 예우전


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ETC2010. 2. 18. 16:08



-작가소개-

허인덕작가/미술제 서양화부문 수상작가

이안아트 등 규모있는 온라인 아트샵에서 활동중이며, 서양화부문에서 많은 수상 경력을 가지고 있는 중견작가. 매끄러운 선으로 그려낸 추상화와 입체적인 꽃의 느낌을 표현해낸 정물화가 인상적이다.

-개인전3회
-한국문화미술대상 특전
-백제미술대전 초대작가
-한국미술협회 회원
-한국서양화작가협회 회원
-신미술대상전 특선
-청년작가 10인 초대전
-아시아현대미술전
-10회 대한민국미술대전 입선
-13회 대한민국미술대전 입선

<굴곡>

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<기다리다>
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<굴곡>
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<노을진 언덕>
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<드러스티>
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<분홍꽃화병>
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<붉은장미>
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<수수께끼>
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<장미>
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<집으로가는길>
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<카르멘>
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<파이프>
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<해바라기와 석류>
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주제별 그림들2010. 2. 12. 15:39


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앙리 팡탱라투르 (Henri Fantin-Latour, 1836년 1월 14일 ~ 1904년 8월 25일) 는 프랑스 화가이다. 아버지로부터 그림의 기초를 배웠다. 처음에는 쿠르베에게 마음이 끌렸으나, 마네의 작품을 알고 게르보아의 집회에도 출석을 했다. 인상파에는 참가하지 않지만, 작품은 명암을 깊게 하여 정확히 신중한 묘사를 하고 있다. 작품에는 〈바티뇰의 화실〉(1870년), 〈들라크루아 예찬〉(1864년) 등이 있다.




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팡탱 라투르는 들라크루아가 세상을 떠났을 때, 그의 죽음을 애도하여 <들라크루아에 대한 경의>를 제작한 바 있다. 그 후에 그려진 <바티뇰의 아틀리에>팡탱 라투르의 집단 초상화 중 가장 중요한 작품으로 평가받는다. 오르세 미술관에 소장되어 있는 <들라크루아에 대한 경의>와 마찬가지로, 팡탱 라투르는 이 작품을 통해 생존해 있지만 인지도가 높지 않았던 또 한명의 거장, 마네에 대한 경의를 표현했다.

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<풀밭 위의 점심식사> <올랭피아>를 그린 화가이며 언제나 살롱에서 벌어진 스캔들의 중심에 서 있었던 마네는 이젤 앞에 앉아 모델에게 시선을 돌린 모습으로 등장한다. 모델은 마네의 친구이며, 문학가이자 예술가였던 자키리 아스트뤽이며, 그 주위에는 당시 잘 알려져 있던 인물들, 즉 오토 숄 더러, 오귀스트 르누아르(그의 얼굴은 벽에 걸린 빈 액자 속에 들어가 있다), 에밀 졸라, 에드몽 매트르, 프레데릭 바지유, 그리고 클로드 모네가 마네게에 찬사를 보내고 있다. 팡탱 라투르는 여러 등장인물들의 시선과 행동을 통해 그들의 특징과 개성을 정확히 표현해냈다. 이들은 당시 파리에서 가장 겆뉘적인 집단이었던 카페 게르보아의 멤버들이었다.
<마리 욜란드 드 핏츠 제임스>

<들라크루아에 대한 경의>와 다르게 이 작품에서 팡탱 라투르는 화면 속에 자신의 자화상을 그려 넣지 않았고, 그림으로써 카페 게르보아와 자신과의 거리를 표현했다. 비판의 목소리가 있긴 했지만 어쨌든 작품은 1870년 살롱에 전시되었다.


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ETC2010. 2. 5. 17:25


르누아르, 르느와르, 시골무도회, 로덩의풍경, 토르소, 무도회, 갈렛풍차무도회, 그네, 아니에르의 세네강, 피아노치는소녀들

도시의 무도회

 1878년 이후 느루아르는 인상주의 양식에 혁신을 가져올 새로운 기법들을 연구하기 시작했다.
그는 인상주의 그룹과 거리를 두고 살롱으로의 길을 선택했다. <아이들과 함께 있는 샤르팡티에 부인의 초상>(뉴욕 메트로폴리탄 미술관 소장)은 그가 전통으로 회귀했음을 확실히 보여주었던 작품으로, 이를 통해 이미 살롱의 시선은 그에게 호의적으로 바뀌어 있었다.

르누아르는 1882년 인상주의 전시회에 이의를 제기하며 불참을 선언했는데, 이 같은 진보적인 이유 또한 동시에 가지고 있었다.
전자는 르누아르의 표현대로 그를 '앞이 보이지 않는 길'로 인도했던 인상주의의 위기와 관련된 것이었으며, 후자는 시장성 있는 작품을 그려야 한다는 절박한 현실적 요구였다.
이 두 점의 회화 <도시의 무도회>와 <전원의 무도회>는 르누아르가 인상주의와 고전주의 예술 사이에서 균형을 유지하고 있던 양식의 변환기에 그려진 작품이다.


-시골 무도회- 1883년
 화면 속 우아한 여인의 모델은 당시 미술계에서 유명한 인물이었던 쉬잔 발라동이었다.
그녀는 모리스 위트릴로의 어머니로, 르누아르에서부터 툴루즈 로트렉에 이르기까지 많은 화가들의 모델이 되었으며, 후에 화가로 전향하였다.


화면구성이나 주제의 선택에서 인상주의적인 부위기가 드러나는 한편, 선의 표현에 있어서는 앵그르와 라파엘로의 고전주의 회화로 복귀하고자 하는 화가의 의지가 엿보인다.
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-앙드레의 집에서 본 로덩의 풍경-


르누아르는 "1883년 즈음에 내 작품에는 일종의 단절이 일어났다.", "나는 이전에 인상주의 양식을 쫓았으나, 내가 그림을 어떻게 그리는지, 데생을 어떻게 하는지조차 모르고 있었다는 결론에 도달했다."고 말했다.

 활기가 넘치는 전원 무도회 장면을 담고 있는 작픔으로, 우아한 분위기와 복합적인 양식의 작품<도시 무도회>와는 대조를 이룬다.  <도시의 무도회>와 마찬가지로 화면 속 남자의 모델이 된 것은 폴 로트였지만, 흰색 드레스를 입고 매력을 뽐내던 쉬잔 발라동의 모습은 르누아르의 연인인 알린 샬리고로 바뀌었다. 풍만한 신체를 가진 알린의 아름다움은 부드러운 선으로 인물의 형태와 양감을 강조하는 고전 회화의 경향으로부터 영향을 받은 것으로 추정되며, 이것이 화가가 추구하던 새로운 양식에 완벽함을 더한다.

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-토르소_빛의 효과 습작-

 이탈리아를 여행하면서 르누아르는 인상주의자들이 아카데미 취향과 가깝다고하여 거부했던 고전 회화에 눈을 뜨게 되었다. 르누아르는 그의 친구 샤를팡티에 부인에게 쓴 편지에서 "라파엘로를 보고 싶어 열병이 날 지경이다."라고 기술했다.

80년대에 그려진 르누아르의 작품에는 양식 면에 있어서 진보적인 변화가 두드러지게 나타난다. 그것은 고전 회화의 전통에 충실한, 단순하고 견고한 형태를 향한 변화인데, 그 안에서 선은 형태를 결정하는 중요한 요소로 작용한다.


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-갈렛풍차의 무도회-
르누아르는 다른 인상주의자들과 마찬가지로, 휴일의 연회에서부터 극장 관람석에 이르기까지 중산층의 삶을 다룬 주제에 커다란 관심과 애정을 가지고 있었다. 친구들과 만나 즐겁게 춤을 추는 모습이나 테이블에서 일상적인 대화를 나누는 모습 등 19세기 후반 파리의 휴일 정경을 이토록 생생하게 보여주는 작품은 얼마 되지않는다.

파리의 시민들은 야외에 테이블을 마련하고 춤과 웃음으로 휴일의 시간을 만끽했다. 르누아르는 대단히 빠른 필치로 찰나의 순간을 포착아여, 순간의 들뜬 감정이나 생동감을 놓치지 않고 화면에 담았다. 능수능란한 색채의 사용 또한 화면에 생동감을 부여하는 요소이다.

모네,시슬레와 마찬가지로 르누아르 역시 빛과 그늘의 표현, 그리고 변화하는 대기의 표현에 매료되었다. 나무들 사이로 쏟아지는 햇빛은 손님들의 얼굴과 의상을 비추고 지면의 얼룩을 만들어낸다. 빛의 효과에 대한 연구는 인상주의 회화기법의 가장 기본적인 요소였다.
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1877년 인상주의 전시회에 전시된 <갈렛풍차의 무도회>는 르누아르의 가장 유명한 작품 중 하나이며, 동시에 인상주의와 관련된 르누아르 회화의 특성을 잘 보여주는 작품이다. 작품의 주제는 어느 일요일 오후,파리 시민들이 가장 많이 찾는 몽마르트르의 무도회장 '물랭 드 라 갈레트'의 유쾌한 정경이다. 르누아르의 친구들이 작품을 위해 모델이 되었고, 모든 작업은 근처의 야외 정원에서 이루어졌다.

르누아르는 빠른 붓놀림과 빛의 효과를 표현하는 특별한 능력으로, 즐겁고 들뜬 분위기를 놀라울 정도로 생생하게 화폭에 담아냈다. 작품의 생생한 사실성으로 인해 그림을 보는 이는 마치 화면 속에서 사람들의 떠들썩한 소리, 옷깃이 스치는 소리, 그리고 배경에 깔리는 음악의 리듬이 실제로 들려오는 것 처럼 느끼게 된다.

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-아니에르의 세네강-

풍경 묘사를 특히 즐겼던 친구 모네, 시슬레, 피사로와는 달리 르누와르는 인물의 묘사에 보다 큰 관심을 가지고 있었다. 이 작품에서 르누아르의 의도는 집단 초상화를 그리는 것이 아니라 일상생활의 한 장면을 화폭에 담음으로써 영속성을 부여하는 데 있었지만, 그럼에도 불구하고 우리는 작품을 통해 그가 그를 위해 포즈를 취해준 친구들의 표정을 묘사하는데 상당한 주의를 기울였다는 것을 알 수 있다.

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-피아노 치는 두 소녀-


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