주제별 그림들2009. 12. 16. 15:04

프란시스코 고야 Francisco Goya (1746.3.30 ~ 1828.4.16)


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스페인의 대표적인 낭만주의 화가로 사라고사 주의 마을에서 금세공사의 아들로 태어났다. 어린 나이에 마드리드의 미술학교를 거쳐 청운의 꿈을 품고 로마에서 유학했다. 1799년 스페인 왕궁화가로 발탁되었고 [나체의 마하]와 [옷을 입은 마하]와 같은 걸작을 그렸다. 말년엔 귀머거리가 되어 고생했으며, 이 시기에 그려진 흑색의 어두운 그림들은 어두운 상상력, 귀기를 보는 듯한 실감으로 인간 존재에 대한 비참한 시선을 드러내고 있다.


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고야의 생애에 관해서는 여러 가지 전해 오는 이야기들이 있다. 그는 스페인 사라고사 지방의 시골 마을 푸엔데토도스의 가난한 도금공의 집안에서 태어났는데. 어느 날 어머니의 부탁으로 양을 돌보면서 석탄 부스러기로 땅에 그림을 그리며 놀고 있었는데 마침 그곳을 지나가던 수도승이 그 그림에 반해서 부모에게 이야기하여 그를 사라고사의 호세 루산의 아틀리에에 넣어 주었다는 에피소드 같은 것들이다.




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마드리드의 프라도 미술관을 방문하는 사람들이 반드시 빼놓지 않고 본다는 고야의 두 걸작 <벌거벗은 마하>와 <옷을 입은 마하>에 대해서도 전설이 빠질 수 없다. 사실 오랫동안 이 두 작품의 모델은 고야의 애인이었던 알바 공작부인이라고 전해져왔다.




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고야는 자기 애인의 누부시게 빛나는 벗은 몸을 캔버스에 남기려 했다. 그러나 두 사람의 관계를 의심하던 알바 공작이 갑자기 아틀리에에 들이닥칠 때를 대비하여 옷을 입은 작품을 준비해 두었다. 즉 실제로는 나체를 그리면서 컽으로는 옷 입은 초상을 그리는 척했기 때문에 결국 두 점의 작품이 만들어졌다는 이야기다.



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1789년에 카를로스 4세가 왕위에 오르고부터 고야는 왕실 소속 화가가 되어 국왕 일가의 초상을 종종 그렸다. 그 가운데서도 가장 유명한 것은 1800년 여름 아람페스 궁전에서 그린 <카를로스 4세 부부와 가족>인데, 그것을 보면 한 사람 한사람 인물의 특색을 단지 표면적인 것만이 아니라 심리적인 특징까지 남김없이 파헤치는 무서울 정도로 차가운 고야의 붓끝을 알 수 있다. 보통 궁정에 속한 화가가 왕가의 초상을 그릴 때는 가능한 한 무난하게 아름답고 화려하게 그리기 마련인데, 고야가 그린 이 그림은 그려진 사람들이 불평을 하지 않은 것이 다행이라고 생각될 만큼 철저하게 생생한 진실을 추구하고 있다. 특히 화면 중앙의 왕비 마리아 루이사는 의상만 화려하고 눈부실 뿐 얼굴은 늙어서 쭈그러진 모습이 속속들이 드러난 무참한 모습으로 그려져 있다. 그런데도 국왕은 이 초상화에 매우 만족했다고 한다.



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스페인에서는 나체화, 특히 여성의 나체화는 거의 그려진 적이 없었다. 카톨릭의 가르침이 매우 강했다는 점도 한 이유일 것이다. 스페인은 오늘날에도 소매없는 옷을 입거나 모자를 쓰지 않고는 교회에 들어갈 수 없는 나라다. 같은 라틴계라 해도 스페인 미술사에는 이탈리아와 비교하여 현저하게 나부상이 드물다.



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<벌거벗은 마하>는 목과 몸통이 조금 이상하게 연결되어 있다는 것은 종종 지적되어 왔는데, 그것만이 아니라 몸 전체의 비례도 결코 이상적이지는 않다. 그러나 이 나부상의 생생한 매력은 바로 거기에서 오는 것이다. 19세기의 절반을 지난 후에도 마네의 <올랭피아>가 인간의 나부를 그렸다고 비난받은 것을 생각해 보면, 고야의 이 나부상은 아주 대담한 시도였다고 할 수밖에 없다.



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고야의 긴 생애는 렘브란트의 경우와 마찬가지로 밝음과 어둠의 두 부분으로 나뉜다. 전반의 밝고 활동적이고 놀기 좋아하던 방탕자가 후반의 음울하고 잔혹하기까지 한 엄격한 인생의 관찰자로 변모한 이유에 관해서는 중년 이후 알바 공작부인과의 사랑이 중요한 영향을 미쳤다고 이야기되어 왔다. 그러나 그 이상으로 결정적이었던 것은 40대 중반 이후 그를 덮친 병이다. 젊은 시절의 방탕함의 대가였던지, 고야는 1792년 무렵부터 조금씩 청력을 잃어 마침내 완전히 귀가 먹게 되었다. 오로지 외면적인 것에만 향해 있었던 고야의 눈이 인간의 마음의 내부로 향하게된 것은 그때부터다.



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후반의 고야를 특정짓는 것은 무엇보다도 인간성의 진실에 대한 추구다. 궁정의 초상화가로서도 이미 그는 모델이 된 인물의 본성을 잔혹할 만큼 파헤치지 않고는 배기지 못했는데, 화려한 사교 생활에서 물러나 어두운 귀머거리의 집에 틀어박히고 나서 그는 더욱더 예민한 관찰자가 되었다. 그의 작품에서 볼 수 있는 환상성이라는 것도 결코 황당무계한 것이 아니라 무서울 만큼의 진실인 것이다. <옷을입은마하>와 <벌거벗은마하>를 그린 고야의 눈도 아름다운 것을 동경하는 서정시인의 눈이 아니라 피하기 어려운 인간의 운명을 응시하는 예언자의 눈이다. 그리고 바로 그 가차없는 눈 때문에 그는 근대 선구자의 한 사람이 될 수 있었다.




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Posted by 이안아트

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주제별 그림들2009. 12. 10. 15:48




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Vincent Van Gogh 1853 - 1890
빈센트 반 고흐
네델란드 프로트 준데르트 출생
렘브란트 이후 가장 위대한 네덜란드 화가로 널리 인정받고 있으며, 현대 미술사의 표현주의 흐름에 강한 영향을 미쳤다. 불과 10년이라는 짧은 기간 동안 제작된 그의 작품들은 강렬한 색채, 거친 붓놀림 뚜렷한 윤곽을 지닌 형태를 통하여 그를 자살까지 몰고간 정신병의 고통을 인상 깊게 전달 하고 있다. 대표작으로는 <감자 먹는 사람들>(1885), <아를의 도개교>(1888),<해바라기>(1888), <별이 빛난는 밤>(1889) 등이 있다.



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고흐는 인상주의의 대표 화가 중 한 사람입니다. 그는 목사인 아버지와 그림과 글씨에 재능이 있었던 어머니의 영향으로, 가난한 사람과 미술에 대한 관심이 많았습니다. 그래서 고흐는 초기에 농민이나 가난하고 힘없는 사람들의 소박한 모습을 자주 그렸답니다. 그 후, 고흐는 단순하면서도 색채가 화려한 우키요에라는 일본 판화의 영향을 받아 색이 중심이 되는 그림을 주로 그렸습니다.



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고흐는 불같이 열정적인 화가이자, 우울한 일생을 보낸 비국적인 화가로 잘 알려져 있습니다. 그 이유는 그가 화가로 활동한 기간이 10년뿐이었고, 이 짧은 기간 동안 제작된 작품들은 강렬한 색채와 거친 붓놀림으로 표현되어 있어 그를 자살까지 몰고 간 정신병의 고통을 인상 깊게 전달하고 있기 때문입니다. 그래서 고흐의 작품 대부분에는 그의 불안한 마음이 잘 표현되어 있습니다. 오늘날 고흐는 위대한 화가 중 한 사람으로서 현대 회화의 발전에 많은 영향을 미쳤습니다. 그래서 그의 작품은 값을 매기기 어려울 정도로 그 가치를 높게 평가받고 있습니다.



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하지만 고흐가 살아 있을 때 팔린 그림은 단 한 점뿐이라고 합니다. 이런 사실도 고희가 비극적인 화가일 수 밖에 없었던 이유 중 하나입니다.





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<아를의 침실> 고흐, 후기인상파, 1889, 암스테르담 반 고흐 국립미술관
얼른 보기에 아무런 이상할 것도 없는 평범한 침실이다. 이 간소한 침실의 정경을 고흐는 또한 평범하게 생각될 만큼 이해하기 쉬운 수법으로 그리고있다. 가구들이 놓인 실내는 빈큼없는 원근법의 원리에 따른 깊이 있는 공간으로 설정되어 있고, 그려진 사물들 사이의 관계는 극히 명확해 보인다. 구도를 살펴보면 우리 관객들은 방의 한쪽 끝에 서서 창 쪽을 건너다보는 위치에 있어서, 다시 말해 고희의 방에 들어와 있기 때문에 무엇이 어디에 있는지 한눈에 알아볼수있다. 필요하다면 방 안으로 들어와서 물건들의 위치를 손으로 확인해 볼 수도 있을 것이다. 개인적으로 고갱의 빈자리와 고흐의 외로움이 느껴지는 작품이다.





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<고갱의 의자> 고흐, 암스테르담 반 고흐 국립미술관
아를에서 고갱이 애용하던 팔걸이 의자 하나를 동그마니 화면에 그려 놓은 아주 평범해 보이는 작품인데, 의자위에는 고갱이 좋아하던 소설책과 불 켜진 양초 한자루가 놓여있고 어두운 녹색과 어두운 빨간 색의 색조가 거의 귀기라고 불러도 좋을 만한 불길한 박력을 화면에 부여하고 있다. 나중에 고후ㅏ 저산이 비평가인 오리에에게 보낸 편지를 보면, 그 어두운 색조와 양초로 고갱의 부재를 표현하려 했던 것이라고 한다. 결국 이 화면의 진짜 주제는 거기에 그려져 있지 않지만 본래 거기에 있어야 할 고갱이며, 그것은 어떤 의미에서 고희가 그린 고갱의 유일한 초상이었다고 할 수 있다.






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<밤의 카페테라스> 고흐, 후기인상파, 1888, 오텔로 크뢸러 뮐러 미술관 소장
고흐는 인상주의에서 보고 배운 것 이상을 표현하기위해 자신의 내면을 들여다보기 시작한다. 이시기의 고흐의 색채가 다소 밝아진 듯하다.고흐는 사흘 밤, 잠도 자지않고 카페의 밤을 담았다. "나는 간혼 낮 보다는 밤이 더 생동감이 있어 ,색채가 넘치고 있는 것처럼 생각한다" 카페가 본격적으로 묘사되며 회화의 주제로 자리 잡은것은 인상주의시기에 들어와서다. 반 고흐의 밤의 풍경에 대한 열정은 타는 듯한 정신의 낮을 향했던 반 고흐의 눈이, 마음속의 보다 어두운 부분, 정신의 그늘진 부분을 향하게 된 것이다.





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<열네송이 해바라기>고흐, 후기인상파, 1888, 런던 내셔널 갤러리 소장
1888년 여름 남프랑스 아를에서 몇 점의 해바라기 그림을 그렸는데, 해바라기 그림 가운데 가장 우수한 그림으로 평가되는 이 작품은 해바라기의 형상이나 색채, 그리고 해를 향한 성질은 반 고흐의 내면적 원형이라 할 수 있고, 또한 자신의 상징과도 같은 것이었다. 그는 자신의 강렬한 생명력을 해바라기를 통해 본 것이다.






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<별이 빛나는 밤에>고흐, 후기인상파, 1889, 뉴욕 근대미술관 소장
이 작품은 그 삶의 마지막 1년, 생레미 정신병원에서 그린 작품입니다. 강렬한 색채의검정. 노란색의 별의 소용돌이는 구심적인 운동에너지를 표현하는 듯 보이는데 이는 작품이 그가 살아있을 적에는 그의 진가를 누구도 인정하여주지 않아 비참한 생에 시달리는 듯한 내면중심의 몽환적인 화법으로 나타내는 것 같습니다.





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<까마귀 나는 밀밭> 고흐, 1890년, 암스테르담 반 고흐 미술관
이 작품을 보면 화면이 끊임 없이 이어질 것처럼 보이는데, 그 이유는 그림 양쪽에서 밀밭이 갑자기 뚝 끊기기 때문입니다. 끝나는 화면 때문에 더 넓은 밀밭을 상상할 수 있는 것입니다. 만약 이 그림이 한 장 더 있다고 생각하고 연결해도 크게 어색하지 않을 겁니다. 일종의 공간 확장을 이루기 때문입니다. 어두운 푸른색은 그림의 전체적인 분위기를 나타냅니다. 마치 앞으로 어떤 무서운 일이 벌어질지 모른다는 것을 암시하는 것처럼 불안한 느낌을 자아내지요. 확실한 것은 고흐가 정신병에 대한 공포와, 현실과 이상의 차이에서 오는 괴로운 마음을 표현했다는 것입니다.





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<론강의 별이 빛나는 밤에>고흐, 후기인상파, 1888, 오델로크륄러 미술관 소장
고흐가 촛불을 자기 모자 위에 붙여 세운 후 론강의 별밤 이라는 걸작을 완성한다. 파리 생활을 마치고 '아를르'에 도착한 후, 프랑스 아를르 지방의 별이 가장 아름답다고 전해지는 9월에 론강의 별밤이탄생 한 것이다. 작품의 두 연인은 반짝이는 별들이 가득한 강가에 서 있고 강물에 비친 불빛의 그림자들은 작품을 더 황홀하게 느껴지게 한다. 고흐에게 있어 찬란한별은 동경의 대상, 꿈의 나라였을 것이다.






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<노란 집>고흐, 후기인상파, 1888, 반 고흐 미술관 소장
화가들의 공동체를 꿈꾸며 프랑스 남부의 아를로 내려간 빈센트 반 고흐가 세들어 살았던 라마르탱 광장의 노란 집을 그린 작품이다. '해바라기' 등 걸작들을 쏟아내며 색체 예술을 활짝 꽃 피운 장소인 동시에 고갱과의 불화로 자신의 귀를 자르며 정신 발작의 멍에를 짊어지게된 곳이기도 하다. 그 자체로 명장한 보색대비를 보여주는 코발트색 하늘과 태양아래 빛나는 노란집이 반 고흐가 왜 파리를 떠나 이곳으로 왔는지를 짐작케 한다.





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Posted by 이안아트

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주제별 그림들2009. 12. 8. 17:27

피에르 오귀스트 르누아르(1841년 2월 25일~1919년 12월 3일)



프랑스의 대표적인 인상주의 화가로써, 여성의 육체를 묘사하는 데 특수한 표현을 보였으며 풍경화에도 뛰어났다. 인상파 중에서 세잔의 엄격에 대하여, 가장 아름답고 뛰어나게 화려한 멋을 보인 것은 르누아르이다. 세잔이 풍경 속에 자연의 정신을 품듯이 르누아르는 여인을 그려서 미의 도취를 자아내고 있다.
인상파 이래로 근대 회화의 역사는 전통적인 것에 대한 반역을 중요한 동력원으로 삼아 발전해왔다. 그런 만큼 그 역사를 떠맡아 온 거장들은 많든 적든 전통적인 것을 바탕으로 하는 사회에 대해 반역자가 되어야했다.
확실히 인상파 그룹에 가담하고 있던 때는 르느아르도 호되게 조소를 받았다. 그러나 인상파 그룹의 화가들 가운데 그가 가장 먼저 세상에 받아들여진것 또한 사실이다 르누아르가 그려낸 세계에는 모든 사람을 매혹시켜 버리는 평화로운 빛이있다.그리고 르누아르는 시민들의 취미에 부응하듯이 밝고 행복한 주제만을 그렸다. 색색의 꽃, 향기로운 과일, 따뜻한 태양이 비치는 풍경, 떠들썩하게 노는 젊은이들, 천진한 아이, 그리고 무엇보다도 여성, 건강하고 고운 피부의 젊은 처녀들, 풍만한 나부, 그것이 르누아르의 세계였다.




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직접 르누아르의 작품을 감상하면서 그의 작품세계를 심층적으로 이해해보자








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<물랭 드 라 갈레트> 캔버스에 유화, 오르세 미술관










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<그네> 캔버스에 유화, 오르세 미술관

르누아르는 1876년 여름에 이 작품과 <물랭 드 라 갈레트의 무도회>를 그렸다. 두 작품의 뱌경은 같은해 봄부터 르누아르가 머물렀던 몽마르트 코르트 거리에 위치한 집의 정원이었다.
이 작품은 화창한 날의 부드러운 자주색이 섞인 어두운 점들이 한데 어우러진다. 그림속 인물들은 어떠한 욕심도 없이 그저 그들의 삶과 쾌청한 날씨, 그리고 풀잎을 비추는 아침 햇살을 즐기고 있을 뿐이다. 이 매혹적인 그림을 보는 사람들의 머리 속에는 오직 이 한 단어만이 떠오를 것이다, 이제까지 이보다 더 행복한 그림은 없었다.





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<시골무도회> 캔버스에 유화, 오르세 미술관

두 남녀는 건조하고 반짝거리는 빛 속에서 몸을 밀착시킨 채 아라베스크 춤을 추고 있다. 시선, 여인의 옆모습, 미소, 현기증, 그리고 뜻밖의 접촉이 장면 속에 어우러진다. 르누와르는 춤에 대한 도취와 연인의 초상화를 그림 속에 동시에 표현했다.







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<피아노 치는 소녀들> 캔버스 유화, 오랑주리 미술관

1892년 프랑스 정부는 르누아르에게 룩상부르크 미술관에 전시될 작품을 의뢰하였다. 룩상부르크 미술관은 평단과 대중 모두의 지지를 받는 생존 화가들의 작품을 다수 소장하고 있었다. 르누아르에게 있어서 이것은 대단한 영광이었고 이에 걸 맞는 훌륭한 작품을 다수 소장하고 있었다. 바로 부르주아 가정의 거실에서 피아노를 연주하고 있는 소녀들이었다. 그림 속의 소냐들은 칠부소매의 원피스를 입고 있는데 허리에 폭이 넓은 벨트를 두르고 두쪽에서 매들 지었다. 전체적으로는 매우 단순한 디자인이 원피스이지만 아름다운 패턴과 리본으로 포인트를 주었다. 흰물방울 무늬의 붉은 옷을 입은 갈색 머리 소녀와 흰옷을 입은 금발 소녀를 대치시켰다. 행복한 분위기의 실내 풍경이 탄생할 수 있었던 것은 바로 두소녀와 피아노의 구도 덕분이었다. 화면의 중심 요소들이 안정된 구도에 위치하고 있고 보일 듯 말듯 한 커튼, 꽃병, 촛대 등의 배경 요소들이 그림 속에 생기를 불어넣고 있다.







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<해변가의 어린 소녀들>

작품에 나타난 세계는 고립된 세계이고, 다른 어떠한 것도 필요로 하지 않는 완벽한 세계이며, 이상적인 세계이자, 현실 저너머에 위치한 상상 속의 낮원이다. 평화로운 삶과 고요한 행복을 이처럼 적절히 표현한 작품은 없을 것이다. 이 소녀들은 현실 속의 인물이라기보다는 행복, 온화함, 평화로움을 표현하는 상징물에 더 가깝다.






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<피아노 치는 이본느와 크리스틴느 르롤>

르누아르는 완벽한 조화를 이루는 일상 생활 풍경을 그려내기 위해 모델의 옷 색깔과 포즈를 늘 대비시켰다. 이 작품은 고객이 청탁한 작품이 아니었기 때문에 르누아르는 파리에 위치한 자신의 아파트에 이 그림을 걸어 두었다.






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<책읽는 여인>

초상화와는 달리 모델은 포즈를 취하지 않고 비밀스러운 관음자가 된 관객을 마라보지 않는다. 관객과 모델 사이에는 커다란 간격이 형성되어 각각이 속한 세계이다. 이 두 세계는 르누아르가 창조한 순수하게 회화적인 세계와 우리가 살고 있는 현실 세계로도 해석될수 있다






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<르누아르의 초상화>

가족생활은 르누아르가 유달리 좋아했던 작품 주제 중의 하나이다. 그는 자신의 가족을 모델로 수많은 작품을 그렸는데 자신의 자녀뿐만아니라 지인들의 자녀를 묘사하는데 깊은 애정을 담아냈다. 가정이란 그에게 걱정없이 안정적인 작업을 가능케 한 울타리이며 일상의 평온을 찾을 수 있는 곳이었다. 낙원과 같은 세상을 그려내고자 했던 그의 작업 철학에 있어서 아마도 가족은 하나의 선결조건이자 절대 조선이었으리라 여겨진다.







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<르누아르의 누드>

자연 속에 목욕하는 여인들과 누드는 르누아르의 작품 세계를 특징짓는 또 하나의 소재이자 르누아르를 유명하게 만들어준 주제이다. 르누아르가 즐겨 그린 이 주제는 고대 그리스 시대부터 서양 미술사를 관통하는 대표적인 주제 중 하나이기도 하다. 본해 그리스 미술에서는 사라의 여신 비너스나 달의 여신 다이아나를 그리는데 사용되었다. 이 두 여신은 대부분 베일로만 몸을 가린 누드로 표현되었다. 르누아르 그림속의 욕녀들과 누드는 당시 사회적, 지리적, 정치적 배경과 어떠한 연결 고리도 없다. 르누아르가 창조한 세계는 고대 신화 속의 장면을 새롭게 재해석한 것이었다.






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<르누아르의 풍경화와 정물화>

1860년대 그가 신참 화가이던 무렵 늘 모네와 함께 야외에서 그림을 그렸다. 당시 둘의 작품은 거의 비슷했다. 아르장테이유에 위치한 모네의 집에서 두 화가는 동일한 대상을 놓고 동일한 관점에서 이젤 두 개를 나란히 놓고 작업하였다. 따라서 이들의 풍경화 작품들은 비슷할 수 밖에 없었다. 인물들은 자연 속에 동화되어 있고, 나무와 풀잎과 모델이 한데 어유러진 모습으로 행복한 분위기를 자아낸다.




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Posted by 이안아트

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  1. 담아갑니다 ^^

    2010.04.30 11:18 신고 [ ADDR : EDIT/ DEL : REPLY ]

ETC2009. 10. 31. 11:03


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현장체험을 통한 온몸으로 체득하는 미술교육이 일선 미술교사와 학부모들에게 호응을 얻고 있다.

경인교육대 미술교육과 김정희 교수(46)는 “부모가 아이를 미술가로 키워야겠다고 마음을 정하고, 미술에 국한된 프로그램을 짜는 순간 미술 영재성이 발현될 가능성은 낮아진다”라고 밝힌다.

미술 교육은 제한된 공간인 학교교실에서만 진행되는 것이 아닌, 현장에서 직접 감상하고 부모와 친구들과의 대화를 통해서 가능하다. 즉, 토론문화를 토대로 감정을 교감할 수 있는 학습방법을 강조한 것이다.

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현장체험이 가능한 미술교육 프로그램은 삼성미술관 리움에서 개최된다. 매주 토요일 교사와 중등학생들이 리움을 방문하여 소장품을 감상하고 창의적인 사고를 할 수 있는 ‘리움틴즈(Leeum Teens)’를 비롯하여 교사연수 등 다양한 학교연계 프로그램이 있다.

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학교 교실에서 명화감상을 통한 학습효과도 기대할 수 있다. 아트샵 이안아트에서는 학교 명화 콜랙션을 통해서 중고교에 명화그림을 전시하고 있다.

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교실과 복도에 전시된 명화 그림은 학생들에게 일상생활속에서 명화그림에 대한 친밀감을 증대시키고 있다. 또한 학교 방문 외부 귀빈들에게 학교 이미지 개선이라는 효과를 얻고 있다.


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Posted by 이안아트

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