주제별 그림들2010. 2. 18. 15:36


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1824년 리옹에서 태어났으며 1898년 파리에서 사망했다. 본명은 피에르 퓌비 드 샤반(Pierre Puvis de Chavannes)이다. 23세 무렵 처음으로 이탈리아를 여행한 뒤 화가가 되고자 결심하고 앙리 셰페르(Henry Scheffer)의 화실에서 1년 정도 공부한 뒤에 들라크루아와 쿠튀르의 화실에서 일했다.

19세기 프랑스의 벽화가 가운데 가장 뛰어난 벽화가 중의 하나로 평가되며, 색채와 기법, 구성면에서 반 고흐나 모리스 드니를 포함한 후기 인상파 화가들에게 찬사와 존경을 받았다. 또한 앙리 마티스도 샤반의 목가적인 아름다움을 높이 평가했다.


<해변의 처녀들>

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피에르 퓌비 드 샤반은 19세기 유럽 미술계에서 가장 복합적이고 독창적인 양식을 선보인 화가들 중 한명이었다.

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어떤 특정한 운동이나 사조에 속한다고 말하기 어려울 만큼 독특했던 그의 양식은 앙리 마티스에서 파블로 피카소에 이르기까지 20세기 화가들에게 커다란 영향을 주었으며 현대 미술의 탄생에 결정적인 공헌을 했다. 또한 그는 동시대의 화가들 중 가장 큰 성공을 거둔 인물이었다. 프랑스에서 미국에 이르기까지 전 세계에서 작품 주문이 쇄도 하였으며, 실제로 작품제작을 위해 미국으로 건너간 적도 있었다.

<죽음과 처녀들>
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<해변의 처녀들>은 단순한 구성 속에 샤반의 근대성이 살아 숨쉬고 있는 작품이다. 마치 유리와 같이 투명하면서도 적막한 대기는 화면에 스며들어 세 여인의 신체를 감싸는 동시에 이들을 현실과 분리시켜 신비로운 분위기를 만들어 낸다. 단조로운 색채와 정형화된 인물,화면을 둘로 나누는 구성, 그리고 화면 전체에 흐르는 시적인 정취는 아카데미 화풍,인상주의, 그리고 그 외에 어떠한 것으로도 규정할 수 없는 퓌비 드 샤반 예술의 혁신성을 잘 나타내고있다.


퓌비 드 샤반의 양식은 생테티스트와 나비파 예술가들뿐만 아니라 마티스에서부터 피카소에 이르기까지 20세기 초의 아방가르드 예술가들을 매료시켰다. 그들은 샤반의 예술이 가지고 있는 독창성과 근대성을 알아볼 수 있었다.



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주제별 그림들2010. 2. 11. 16:12



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유진 앙리 폴 고갱(Eugène Henri Paul Gauguin, 1848년 6월 7일 ~ 1903년 5월 8일)은 프랑스의 인상주의 화가이다. 파리에서 태어났다.

고갱의 생애는 파란만장하다. 아버지는 자유주의자로서 망명하여 남미 리마로 가던 도중에 죽고, 그후 고갱은 7세 때에 고국에 돌아온다. 바다를 동경하여 선원이 되어 남미도 항해하지만, 결국 포기하고 증권 거래소에서 일했다.
 
거기서 돈을 모아 결혼하여 평화로운 생활이 계속되었으나 여가가 있을 때마다 회화에 전력하여 살롱 전에 입선하였다. 피사로를 알게 되어 인상파의 영향을 받은 후, 인상파 작품을 사들이고, 그 화가들과도 교제하여 1880년 제5회 전시회부터 인상전(印象展)에 그의 회화를 출품한다. 이어 회화에 대한 정열은 더욱더 왕성해져서 1883년에는 증권거래소를 그만두고 화가로서 새출발을 한다.

그러나 회화는 생활에 아무런 도움을 주지 못하고 돈은 다 떨어져서 아내의 고향인 덴마크로 가는데 덴마크에서 발표한 일도 실패, 고갱은 처자를 남겨두고 단 하나의 어린아이를 데리고 파리에 나타났다. 그러나 생활은 궁핍하여 포스터를 붙이는 노동도 했다. 그리고 1886년부터 브르타뉴의 퐁 타뱅으로 가서 젊은 화가들과 만나, 인상파의 그림에 만족하지 않고, 독자적인 화풍을 창시, 평면적인 채색으로 장식적인 그림을 그리면서, 그의 화풍을 따르는 젊은 화가들과 '퐁 타벵(Pont-Aven) 파'를 창립하였다.

파리로 돌아가서는 고흐를 만났다. 그러나 고갱에게는 미개국에 대한 정열이 있었다. 문명의 허위도 좋아하지 않았다. 원시 속에는 꿈이 있다. 거기에는 시(詩)가 살아 있다. 고갱은 1887년 봄에 남미로 건너가고, 다시 마르티니크 섬으로 가지만 병으로 인한 고뇌로 귀국한다. 그리하여 이듬해 퐁 타뱅으로 다시 가 거기에서 젊은 화가들과 만나 새로운 회화의 이론을 주장한다.

이어 고흐의 초대로 아를르에도 가지만 그 우정은 깨져 버려, 재차 미개척의 땅을 그리워한다. 그 염원을 달성한 것은 1891년으로, 고갱은 태평양의 타히티 섬으로 여행을 떠난다. 그 남방의 색채와 미개한 생활은 그리던 땅에 잘 맞고, 그는 그 감동에서 수많은 작품을 그려 낸다. 고갱은 한번 파리에 돌아오지만, 1895년에는 최종적으로 타히티에 돌아간다. 그러나 그림 제작하는 것 외에는 궁핍과 병과 싸우는 생활이고, 1901년에는 도미니카 섬으로 옮겨 가서 고독한 생애를 마친다.


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<백마>

영원히 유럽을 떠나 태평양의 섬으로 돌아가버린 고갱은 1905년 그곳에서 55세의 나이로 숨을 거둔다. 그는 이미 심각한 병을 앓고 있는 상태였다. 알코올 남용은 그의 심장질환과 피부발진을 악화시켰으며, 여기에 매독까지 겹쳤다. 이처럼 좋지 않은 건강 상태에도 불구하고 만년에 이르기까지 그의 왕성한 창조력은 멈추지 않았다.

1898년부터 1900년 사이 그는 파페에테에서 여러 점의 걸작을 탄생시켰는데, <백마> 역시 이 시기에 그려진 작품이다. <백마>는 한 약사의 주문으로 그려졌는데, 작품이 완성되고 난 후 주문자는 색채가 반자연주의적이라는 이유로 작품 구입을 거부하였다.(무엇보다 그는 화면 앞쪽의 말이 초록색으로 그려진 것에 대해 불평을 늘어 놓았다.)고갱의 양식은 당시 유럽 대중의 취향과는 거리가 멀었으며, 때문에 그는 작품 판매로 인한 수입을 전혀 얻을 수가 없었다.

<백마>의 단순화된 구성 속에는 여러 가지 복합적이고 상징적인 요소들이 숨겨져 있는데, 예를들어 화면 속에 그려진 말의 모습은 파르테논의 프리즈 장식과, 고갱이 자주 인용했던 그림인 뒤러의 판화 <죽음과 악마의 기사>로부터 영향을 받은 것이 분명하다. 고갱의 원시적인 회화 양식은 오랜 기간 동안의 연구를 통해 얻어진 것이며, <백마>를 그리던 시기에는 이미 완숙의 경지에 이른 상태였다.

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말 위에 탄 인물은 이미 고객에게 가까이 다가와 있던 ‘죽음 저편으로의 여정’을 상징하는데, 그럼에도 불구하고 그의 삶은 여전히 창조적인 열정으로 가득 차 있었다.

이 그림과 같이 고갱이 그린 인물들에게서는 그가 브르타뉴와 대 양 저편에서 구하고자 했던 야생적이고 원시적인 숭고함이 느껴진다.


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작품의 주문자가 크게 불평을 늘어놓았던, 화면 앞쪽에 있는 말의 푸른색 털은 고갱이 자연 그대로의 색을 사용하지 않는다는 사실을 여실히 드러낸다.

고갱은 현실을 재현하는 수단으로써가 아니라 자신의 감정, 생각, 심리, 상태를 표현하기 위한 수단으로 색채를 사용했고, 이는 새로운 양식, 즉 표현주의와 추상주의를 탄생시켰다.

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화면 앞쪽에 있는 꽃의 모습에는 원근법적인 구도가 결여되어 있다. 고갱은 평면적인 배경에 순색의 색채를 칠하고 타히티의 전통 의상 파레오를 연상시키는 장식적인 곡선을 사용함으로써, 이와 같은 이차원적 이미지를 부각시킨다. 고갱의 작품을 더욱 매혹적으로 만드는 것은 상징주의와 실제의 현실, 그리고 꿈결과 rxk은 화면과 장식적인 요소들간의 결합이다.

 

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<타히트의 여인들>

1891년 4월 폴 고갱은 타히티를 향해 떠낫다. 그를 먼 곳까지 떠나게 만든 이유는 여러 가지가 있었지만, 무엇보다 중요한 이유는 문명사회로부터 벗어나 새로운 전망을 모색하기 위한 것이었다. 고갱은 그가 브르타뉴와 프랑스 남부에 체류하면서 구하고자 했던 것을 바로 타히티에서 발견했다.

유럽을 지배하던 부르주아의 규범들로부터 벗어나 있는, 본능적이고 원시적인 사회에 대한 꿈은 당대의 많은 화가들이 공유하고 있던 것이었다.

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<이레아레아>

타히티의 여인들은 고갱의 새로운 뮤즈가 되었고, 육체적인 아름다움과 성스러움의 신비스런 조화라는 화가의 이상을 완벽하게 실현시켜 주었다. 고갱은 자신만의 독특한 필치로 다채로운 색의 파레오를 걸친 채 자연스러운 포즈로 앉아 있는 여인들을 묘사했다. 그들의 모습에서는 불교 사원의 조각이나 고대 이집트 예술로부터의 영향이 나타난다.

고갱은 원시적인 단순함 속에 여러 가지 복합적인 요소들과 상징들, 그리고 작품에 대해 명확한 해석의 열쇠를 갖지 못한 사람들에게 혼동을 불러일으킬만한 다양한 해석의 여지들을 숨겨놓았다. 따라서 당시 대다수의 비평가들은 고갱이 제시한 새로운 예술세계를 받아들이지 못했으며, 스트린드베리는 고갱에게 본낸 편지에서 “당신의 낙원에 있는 이브는 내 타입이 아닙니다.”라고 기술했다.


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주제별 그림들2010. 2. 10. 16:38


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빈센트 빌럼 반 고흐(Vincent Willem van Gogh ,1853년 3월 30일 ~ 1890년 7월 29일)네덜란드 화가로 일반적으로 서양 미술사상 가장 위대한 화가 중 한 사람으로 여겨진다. 그는 그의 작품 전부(900여 점의 그림들과 1100여 점의 습작들)를 정신질환(조울증으로 추측됨)을 앓고 자살을 감행하기 전의 단지 10년 동안에 모두 만들어냈다. 그는 그의 생존기간 동안에 거의 성공하지 못했지만 그는 특히 1901년 3월 17일 (그가 죽은 지 11년 후) 파리에서 71점의 반 고흐의 그림을 전시한 이후에 그의 사후 명성은 급속도로 커졌다.

인상파, 야수파, 초기 추상화에 미친 반 고흐의 영향은 막대하고 20세기 예술의 여러 다른 관점에서 보일 수 있다. 암스테르담에 있는 반 고흐 미술관은 반 고흐의 작품과 그의 동시대인들의 작품에 바쳐졌다. 네덜란드의 또다른 도시인 오테를로에 있는 크뢸러-뮐러 박물관도 상당히 많은 빈센트 반 고흐 그림의 수집을 보유하고 있다.

<아를에 있는 반 고흐의 방>
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고갱이 아를에 온다는 소식을 들은 고흐는 들뜬 마음으로 그를 맞이하기 위해 정성으레 방을 정돈했다. 바로 이 시기에 고흐는 <고흐의 방>의 첫 번째 버전을 그렸으며, 후에 짧은 기간 동안 고갱과 함께 노란 집에 살면서, 두 번째 버전을 제작했다.

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<론강의 별밤>

오르세 미술관에 소장된 <아를에 있는 반 고흐의 방>은 그가 어머니와 누이를 위해 그린 세 번째 버전으로, 고흐는 상상 자신의 작품 중 가장 뛰어난 것을 복제하여 어머니와 누이에게 보내곤 했었다. 세 번째 버전을 그릴 때 고흐는 프로방스의 생 레미에 있는 생폴 드 모솔 정신병원에 입원 주이었다. 동거기간 중 고흐는 고갱격렬한 논쟁을 벌였는데, 이러한 갈등은 고흐의 귀를 자르는 발작으로까지 이어졌으며, 결국 두 화가를 결별에 이르게 만들었다. 이 사건 이후 고흐는 자신의 병을 깨닫고 스스로 정신병원에 입원하게 된 것이다.



고흐는 고갱이 떠나버린 것에 대해 대수롭지 않은 일인 듯 처신했으며, 그가 떠나게 된 이유가 사교적이지 못한 자신의 성격 때문이라고는 생각하지 않았다.

<아를에 있는 고흐의 방>은 고흐가 아를에서 고갱과 함께 보낸 행복한 시절을 추억하며 그린 것이다.

고흐가 동생 테오에게 쓴 편지에는 다음과 같은 내용이 적혀 있다. “그림을 보면서 마음의 안식을 느낄 수 있도록 해야 한다...”,“가구의 크기 또한 온전한 안식을 표현해야 한다.”

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<별이 빛나는 밤>

고흐에게 있어 형태와 색채는 자신의 감정을 표현하는 도구, 즉 타인들과 소통하지 못하는 데에서 오는 어려움을 극복하는 도구이자 자신의 마음 상태를 드러내는 도구였던 것이다.


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무관심에 대한 두려움을 나타내는 것으로 여겨지는 빈 의자는 반 고희의 작품에 흔히 등장하는 테마였다. 이 작품에서는 고갱이 아를을 떠난 후, 고흐가 느꼈던 외로움과 절망에 대한 상징으로 해석된다.

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빈센트 반 고흐는 1853년 네덜란드의 그로트 춘데르트에서 태어났으며, 화구상의 점원으로 일하다가 신학교에 입학하였고, 목사 생활을 하기도 했다. 이후 독학으로 그림을 공부하며 뒤늦게 화가의 길로 접어들었다. 또한 그는 파리의 생활에 싫증을 느끼고 아를로 향했고, 그곳에서 수 많은 명작들을 탄생시켰다.

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고흐는 “화면의 전체적인 구성과 각각의 사물들은 평온한 인상을 전할 수 있어야 할 것이다.”라고 했지만, 사실 왜곡된 선과 형태, 그리고 색채의 사용에서는 화가의 불안과 근심이 느껴진다.

 



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ETC2009. 11. 17. 11:37

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고흐는 1853년, 네덜란드 남쪽의 작은 마을 Groot Zundert 에서 태어났지요. 그리고는 평범한 유년 시절과 16세 때에 백부의 소개로 하아그에서 청년 시절은 화방 점원 등으로 전전긍긍하였지만 고흐의 격정적인 성격을 충족시켜 주지 못하자 목사가 되기로 결심을 하죠.

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종교적 정열에 불타 단기 목사 양성소를 졸업하고 전도사가 되어, 한때 벨지움에서도 가장 비참하다는 탄광촌인 보리나쥬를 무대로 헌신적인 전도에 몰두하면서 미래의 자신을 준비하려 했지만 고흐 역시 실패하자 결국 France의 Arrele에 정착하면서부터 가난한 화가의 길에 들어서게 되는 것입니다.

기왕 화가가 되기로 작심한 고흐는 에텐의 부모 곁으로 돌아와 생활하던 중 사촌뻘 되는 Key Pos에게 구혼했다가 깊은 사랑의 상처를 입고 가출을 합니다. 그리고 헤이그에서 그림 공부를 하던 중 그 곳에서 우연히 밤거리의 창녀 크리스틴을 만나게 되는데, 훗날 “버림받은 인간에 대한 애절한 공감”을 표현한 누드 데생 <슬픔>은 그녀를 모델로 삼았던 것입니다.

1883년 말부터 파리로 떠나기까지 약 2년 동안 그는 무려 유화 2백 점, 데생 2백50점을 남기는 본격적이며 열띤 작품 제작에 몰두하고 이른바 ‘네덜란드 시대’의 대표작으로 알려져 있는 <감자를 먹는 사람들>은 이 시기에 그려진 고흐의 리얼리즘적 특징을 잘 보여준 것이기도 한 것이었죠. 이후 파리에서 화상으로서 자리를 잡은 동생의 도움으로 Coremong 화실에 출입하면서 고갱 등의 인상파 화가들과 친교를 맺으면서 이전의 어두운 화면이 갑자기 밝은 색채로 바뀌게 되고, 자신만의 독자적인 화풍을 확립해 <해변의 작은 배> <해바라기> <아를르의 카페> 등 대표작을 남기게됩니다.

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주제별 그림들2009. 11. 13. 13:46
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<그림출처 : 이안아트>

빈센트 반 고흐는 1853년 네덜란드에서 태어났어요. 오늘날 고흐의 그림은 값을 매길 수 없을 정도로 비싸지만, 고흐는 일생동안 그림을 단 한 점밖에 못 팔았어요.

1888년 네덜란드 화가 빈센트 반 고흐는 프랑스 남부에 있는 아를이라는 지방으로 이사를 갔어요. 고흐는 햇살이 넘치는 남쪽 풍경에 흠뻑 빠져 들었지요. 특히 그곳의 들판은 고흐가 좋아하는 해바라기로 가득했답니다.

고흐는 색채들은 각각 상징하는 바가 있다고 생각했어요. 예를 들어, 노란색이 행복과 우정을 뜻하는 것처럼 말이에요.

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고흐는 자신이 머무르던 곳의 해바라기를 너무나 좋아해서 그리고 또 그렸어요. 두껍게 물감을 바른 캔버스에 매우 빠르게 붓질을 했지요.

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Posted by 이안아트

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