주제별 그림들2010. 2. 25. 14:52



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장 프레데릭 바지유(Jean Frédéric Bazille,1841년 12월 6일–1870년 11월 28일)인물 묘사로 잘 알려진 프랑스의 인상주의 화가이다.

랑그도크루시용의 에로 데파르트망에 있는 몽펠리에에서 중산층의 개신교 집안에서 태어난 바지유는 외젠 들라크루아의 작품들을 본 뒤 그림에 흥미를 갖게 된다. 그의 가족들은 그가 의학을 공부할 것을 전제로 그림을 공부하는 것을 허락했다.

바지유는 1859년 의학 공부를 시작했다. 그는 1862년 공부를 계속하기 위해 파리로 이사한다. 여기서 그는 인상주의 화가가 되는 피에르오귀스트 르누아르를 만났고, 샤를 글레르의 수업을 듣게 된다. 1864년 의학 시험에 불합격한 뒤 바지유는 모든 시간을 그림을 그리면서 보낸다. 그의 친한 친구들 중에는 클로드 모네, 알프레드 시슬레, 그리고 에두아르 마네 등이 있다. 부유한 가정에서 태어난 바지유는 그의 작업실 내부의 공간이나 그림에 필요한 재료 등을 제공해 주면서 이 예술가들을 지원해준다.

바지유는 〈분홍 드레스〉를 포함하여 여러 유명한 그림들을 그렸을때 불과 23세였다. 그의 가장 유명한 작품은 〈재결합한 가족〉(1867년–1868년)이다.

프레데릭 바지유는 1870년 29세의 나이로 사망한다. 프로이센-프랑스 전쟁 도중 루아레의 본라롤랑드에서 전사했다.



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프레데릭 바지유는 1841년 몽펠리에에서 태어나 그곳에서 의학을 공부했다. 그는 파리로 이주한 그의 삶을 회화에 헌신하기로 결정했다. 당시 파리에 있던 샤를 글레르의 아틀리에에서 그는 클로드 모네, 오귀스트 르누아르, 그리고 알프레드 시슬레를 만났다. 특히 그는 클로드 모네와 깊은 관계를 유지했다. 모네는 바지유가 자신만의 양식을 찾을 수 있도록 격려했고, 어려운 시기에는 번갈아 돈을 빌려주기도하며 도움을 주고받는 친구관계였다.

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<가족모임>은 외광 묘사에 대한 열정과 풍경 속의 인물이라는 테마에 대한 화가의 관심을 잘 보여주는 작품이다. 바지유는 젊은 나이에 죽음을 맞이하여, 인상주의 운동에 대해 알 수 없었지만, 이미 <가족모임>과 같이 그의 작품에 나타나는 투명한 색채는 훗날 인상주의 운동의 성과를 예견하고 있었다.

동시대 모네의 작품, 예를 들어 오르세 미술관에 소장된 <정원의 여인들>등에 비하면 빛의 효과에 대한 묘사는 미흡하다. 그러나 화면 속에 나타는 몇 가지 요소들, 즉 지면에 쏟아지는 태양광으로 인한 얼룩과 맑고 투명한 하늘, 그리고 한 가족을 관통하는 특징적인 분위기 등은 틀림없이 인상주의를 예견하는 기법들이다.

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비슷한 시기에 모네 역시 풍경 속의 인물이라는 테마에 관심을 기울였다. 그러나 이 테마는 모네와 바지유에게서 서로 다른 결과로 나타났다. 모네의 작품에서 인물은 단순히 빛의 효과를 연구하기 위한 도구로 사용된다. 그러나 바지유가 그린 단체 초상화에서는, 그 안에 묘사된 인물들의 표정과 특징이 가장 중요한 요소이다.

자연 풍경 속에 있는 인물을 묘사하는 것은 바지유가 선호하는 테마였고, 실제로 그는 이러한 테마의 작품을 여러 점 제작했다. 예를 들면, 오르세 미술관에 소장된 <빨간 드레스>에서도 이 같은 테마를 엿볼 수 있다.

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또한 바지유는 균형 잡힌 화면구성에 능숙했다. 그의 작품에서 인물들은 그들을 둘러싸고 있는 배경에 조화롭게 녹아든다.

이와 같은 세부묘사는 프레데릭 바지유의 간단하지만 흥미로운 가르침이 인상주의 운동에 미친 영향을 보여준다. 예술에 대한 바지유의 견해는 누구보다도 모네에게 커다란 영향을 미쳤다. 바지유와 훗날의 인상주의자들과의 밀접한 관계는 그와 절친했던 예술가들의 일상생활을 화면 속에 묘사한 1870년 작<화가의 아틀리에>에 나타난다. 이 작품 역시 오르세 미술관에 소장되어 있다.



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주제별 그림들2010. 2. 12. 15:39


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앙리 팡탱라투르 (Henri Fantin-Latour, 1836년 1월 14일 ~ 1904년 8월 25일) 는 프랑스 화가이다. 아버지로부터 그림의 기초를 배웠다. 처음에는 쿠르베에게 마음이 끌렸으나, 마네의 작품을 알고 게르보아의 집회에도 출석을 했다. 인상파에는 참가하지 않지만, 작품은 명암을 깊게 하여 정확히 신중한 묘사를 하고 있다. 작품에는 〈바티뇰의 화실〉(1870년), 〈들라크루아 예찬〉(1864년) 등이 있다.




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팡탱 라투르는 들라크루아가 세상을 떠났을 때, 그의 죽음을 애도하여 <들라크루아에 대한 경의>를 제작한 바 있다. 그 후에 그려진 <바티뇰의 아틀리에>팡탱 라투르의 집단 초상화 중 가장 중요한 작품으로 평가받는다. 오르세 미술관에 소장되어 있는 <들라크루아에 대한 경의>와 마찬가지로, 팡탱 라투르는 이 작품을 통해 생존해 있지만 인지도가 높지 않았던 또 한명의 거장, 마네에 대한 경의를 표현했다.

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<풀밭 위의 점심식사> <올랭피아>를 그린 화가이며 언제나 살롱에서 벌어진 스캔들의 중심에 서 있었던 마네는 이젤 앞에 앉아 모델에게 시선을 돌린 모습으로 등장한다. 모델은 마네의 친구이며, 문학가이자 예술가였던 자키리 아스트뤽이며, 그 주위에는 당시 잘 알려져 있던 인물들, 즉 오토 숄 더러, 오귀스트 르누아르(그의 얼굴은 벽에 걸린 빈 액자 속에 들어가 있다), 에밀 졸라, 에드몽 매트르, 프레데릭 바지유, 그리고 클로드 모네가 마네게에 찬사를 보내고 있다. 팡탱 라투르는 여러 등장인물들의 시선과 행동을 통해 그들의 특징과 개성을 정확히 표현해냈다. 이들은 당시 파리에서 가장 겆뉘적인 집단이었던 카페 게르보아의 멤버들이었다.
<마리 욜란드 드 핏츠 제임스>

<들라크루아에 대한 경의>와 다르게 이 작품에서 팡탱 라투르는 화면 속에 자신의 자화상을 그려 넣지 않았고, 그림으로써 카페 게르보아와 자신과의 거리를 표현했다. 비판의 목소리가 있긴 했지만 어쨌든 작품은 1870년 살롱에 전시되었다.


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주제별 그림들2010. 2. 12. 15:22



장 데지레 귀스타브 쿠르베, 귀스타브 쿠르베, 쿠르베, 퇴폐작가, 누드화, 사실주의, 에스파냐 화풍, 화풍, 베네치아화, 렘브란트, 세계의 기원, 낭만주의, 프랑슈콩테주, 에스파냐, 오르세미술관, 서양화, 추상화, 유화, 액자, 모네, 고흐, 명화그림, 명화

장-데지레 귀스타브 쿠르베 (Jean-Désiré Gustave Courbet, 1819년 6월 15일 - 1877년 12월 31일)는 19세기 프랑스의 사실주의 화가이다.

쿠르베는 1819년 프랑스 프랑슈콩테 주 오르낭 시에서 부유한 농부의 아들로 태어나다. 고향에서 중등학교 (Collège)를 나온 후, 1837년 브장송(Besançon)의 왕립 고등학교 (Lycée)에 입학함과 동시에 근교에 있는 사립 미술학원에서 그림을 배우다. 리세 졸업 후 1840년 쿠르베는 대학에서 법학을 공부할 계획으로 파리로 가다. 그러나 곧 법학 수업을 포기하고 그림 그리기에 전념하여 화가가 되기로 결심한다. 1847년 네덜란드를 여행한 후, 렘브란트의 화풍, 베네치아화파 그리고 에스파냐 화풍에 많은 관심을 가지고 연구 분석하다. 1850년을 전후로 하여 쿠르베는 자신의 고유한 화풍인 사실주의 색채를 띤 그림을 그리기 시작한다. 그의 철저한 사실주의는 천사를 그리라는 주문에 "천사를 실제로 본 적이 없기 때문에 그릴 수 없다"라고 딱 잘라 거절했다는 일화에 잘 나타나 있다.


<세기의 기원>
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화면의 구성은 나체 여성인 익명성을 강조하고 있다. 당시의 관객들에게 커다란 충격을 안겼던 인위적인 그러나 대단히 사실적인 모습의 나체는 화면을 가득 채우고 있지만, 동시에 흰 옷가지가 여인의 상체를 덮고 화면 밖에 존재하는 여인의 머리마저 감춘다.


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쿠르베는 1960년대에 여러 점의 여성 누드화를 제작했고, 이 때문에 퇴폐적이고 비윤리적인 화가라는 오명을 쓰게 되었다. 쿠르베가 그린 누드화들 중 몇 점은, 아카데미 화풍의 범주에서 크게 벗어난 것은 아니었다.

하지만 그 외의 다른 누드화들은 생생한 사실 주의와 도발적인 화면 등으로 쿠르베 회화의 전형적인 특징들을 잘 나타내고 있는데, 특히 오르세 미술관에 소장된 작품인 <세계의 기원><잠>은 후자의 전형을 보여준다. <세계의 기원>은 여러 해 동안 음란한 작품으로 비난받아왔고, 따라서 이전 소유자들이 작품을 드러내길 꺼려하다가 최근에야 비로소 대중에게 공개되었다. 쿠르베는 대상을 낭만주의적으로 이상화하는 기법을 모두 배제하고 그것을 생생한 사실주의로 대체했다.

화면 속에는 해부학적으로 정확히 묘사된 여인의 토르소가 배치되어 있으며, 여인의 얼굴은 드러나지 않는다. 작품 속에 쿠르베가 오랜 기간 동안 고심했던 인간의 기원에 관한 문제는 순수하게 육체적인 것으로 환원된다.

우리는 화면에서 여인의 치골과 복부를 바라볼 뿐이고 여인의 정체는 알아볼 수 없다. 이 특별한 작품 속에는 상징과 진실, 유물과 우의가 한데 뒤섞여 있다.


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주제별 그림들2010. 2. 11. 15:17

앙리 에밀 베노아 마티스, 마티스, 앙리 마티스, 인상파, 현대 미술, 색채, 호사, 평온, 관능, 호사평온그리고관능, 분홍 작업실, 책 읽는 소녀, 춤, 표현주의, 오르세미술관, 아방가르드, 피카소, 야수파, 파블로피카소, 블라맹크, 액자, 명화, 미술

앙리 에밀-베노아 마티스(Heinri Émile-Benoit Matisse, 1869년 12월 31일 - 1954년 11월 3일)는 20세기 표현주의 프랑스 화가이다.

파블로 피카소와 함께 '20세기 최대의 화가'로 일컬어진다. 프랑스 북부 노르파드칼레의 르샤토캄프레시스에서 태어났다. 22세 때 파리로 나가 그림 공부를 하고, 1893년 파리 국립 미술 학교에 들어가 구스타프 모로에게서 배웠다. 이 무렵 세잔·고흐·고갱에게 끌려 그들의 채색 방법에 강한 공감을 느꼈다. 1904년 무렵에 전부터 친분이 있는 피카소·드랭·블라맹크 등과 함께 20세기 회화의 제일보로 불리는 야수파 운동에 참가하여, 그 중심 인물로서 활약하였다. 1910년경부터 피카소 등의 입체파의 영향을 받아 엄격한 구성과 단순화에 관심을 기울이고, 독자적 화풍을 전개하였다. 제1차 세계 대전 후에는 주로 니스에 머무르면서, 모로코·타히티 섬을 여행하였다. 만년에는 색도 형체도 단순화 되었으며, 밝고 순수한 빛의 광휘와 청순 명쾌한 선에 의하여 훌륭하게 구성된 평면적인 화면은 '세기의 경이'라고까지 평가되고 있다. 제2차 세계 대전 후에 착수하여 1951년에 완성한 반(Vannes) 예배당의 장식은 세계 화단의 새로운 기념물이다. 그는 조각·동판화에도 능하였고, 직물의 디자인, 삽화 등 새로운 분야도 개척하였다. 대표작으로 <춤> <젊은 선원>이 있다.

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<호사,평온 그리고 관능>

앙리 마티스<호사, 평온, 그리고 관능>은 오르세 미술관에서 가장 근대적인 작품이다. 그것은 제작 시기가 아니라, 양식의 혁신성에 관한 것이다. 작품 안에는 20세기 전반기의 예술적 경향을 특징짓는 아방가르드 예술의 분위기가 살아 숨 쉬고 있다. 마티스는 마네에서 퓌비 드 샤반에 이르기까지 19세기 화가들이 즐겨 그렸던 해안 풍경을 주제로 선택하여, 그것을 한 차원 더 근대적인 양식으로 표현해냈다.

이 작품은 점묘화법에 뿌리를 두고 있지만 이를 통해 마티스가 달성하고자 했던 목적은 이전의 화가들과 달랐다. 마티스의 말에 따르면, 회화는 단순히 ‘역사적 사건을 묘사하는 것’보다 훨씬 높은 차원의 목적을 가지고 있었다.

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<분홍 작업실>

그는 “회화란 화가의 내면적인 비전을 표현하기 위해 필요한 것이다.”라고 생각했고, 더 이상 객관적인 현실에는 관심을 두지 않았다. 그는 외부의 세계가 아닌 개인적인 감정, 정확히 말해 ‘내면적인 비전’에서부터 출발했다. 바야흐로 표현주의가 인상주의를 대체하기 시작한 것이다. 표현주의의 아버지라 불리는 마티스는 훗날 야수파로 잘 알려진 젊은 화가들의 모임을 조직하기도 했다.

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<책 읽는 소녀>


<호사,평온,그리고 관능>야수파의 탄생과 관련하여 특징적인 표현 양식을 보여준다. 장식적이고 조화로운 곡선을 작품에서 중요한 요소가 되었고, 실제 자연과는 달리 타는듯한 붉은 색채는 감정을 표현하는 수단이자 감정을 고양시키는 도구로써 사용되었다.

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예술은 이제 내면의 표현 언어, 즉 본능적이고 내면적이지만 동시에 다분히 계산적인 연구가 되었다. 그것은 마치 악보와 같은 색조의 병렬과 조화로 화면에 나타난다.

마티스의 초기 작품에서부터 선은 장식적이고 조화로우며 리드미컬한 곡선의 형태를 띠었고, 작품이 전하고자 하는 감정을 표현하는 중요한 수단으로 사용되었다.

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작품의 제목은 보들레르의 시에서 따온 것이지만, 작품의 테마는 ‘목욕하는 여인들이 등장하는 이상화된 풍경’으로, 전통 회화에서 자주 다루어왔던 주제였다.

19세기에 이르러 많은 화가들이 이와 같은 테마를 각기 다른 표현을 통해 작품화한 바 있다. 마티스 역시 이를 자신만의 독창적인 표현주의 양식으로, 여러 차례 다루었는데, 대표적인 작품으로 <호사>와 등이 있다.


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짧은 칼자국 모양으로 칠해진 색채가 마치 모자이크를 연상시킨다. 이러한 기법은 점묘화법에서 착안한 것이지만, 마티스는 점묘화법의 이론적 한계를 뛰어 넘었다. 마티스는 다음과 같이 밝힌다. “나는 색채를 통해 느낀다”,“나의 회화를 구성하는 것은 색채이다.”.“나는 회화를 채색된 평면이라고 생각한다. 여기에 색채의 조합, 즉 표현적이고 구성적인 방법으로 파란색,빨간색,녹색을 조합하는 것이 필요하다. 나는 아무런 편견 없이 색을 칠한다. 나는 본능적으로 색채가 가진 표현성에 이끌린다. 내가 색채를 선택하는 것은 어떠한 과학적 이론이 아니라 나의 감정에 기초한 것이다.”



 

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<춤>

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주제별 그림들2010. 2. 10. 16:38


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빈센트 빌럼 반 고흐(Vincent Willem van Gogh ,1853년 3월 30일 ~ 1890년 7월 29일)네덜란드 화가로 일반적으로 서양 미술사상 가장 위대한 화가 중 한 사람으로 여겨진다. 그는 그의 작품 전부(900여 점의 그림들과 1100여 점의 습작들)를 정신질환(조울증으로 추측됨)을 앓고 자살을 감행하기 전의 단지 10년 동안에 모두 만들어냈다. 그는 그의 생존기간 동안에 거의 성공하지 못했지만 그는 특히 1901년 3월 17일 (그가 죽은 지 11년 후) 파리에서 71점의 반 고흐의 그림을 전시한 이후에 그의 사후 명성은 급속도로 커졌다.

인상파, 야수파, 초기 추상화에 미친 반 고흐의 영향은 막대하고 20세기 예술의 여러 다른 관점에서 보일 수 있다. 암스테르담에 있는 반 고흐 미술관은 반 고흐의 작품과 그의 동시대인들의 작품에 바쳐졌다. 네덜란드의 또다른 도시인 오테를로에 있는 크뢸러-뮐러 박물관도 상당히 많은 빈센트 반 고흐 그림의 수집을 보유하고 있다.

<아를에 있는 반 고흐의 방>
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고갱이 아를에 온다는 소식을 들은 고흐는 들뜬 마음으로 그를 맞이하기 위해 정성으레 방을 정돈했다. 바로 이 시기에 고흐는 <고흐의 방>의 첫 번째 버전을 그렸으며, 후에 짧은 기간 동안 고갱과 함께 노란 집에 살면서, 두 번째 버전을 제작했다.

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<론강의 별밤>

오르세 미술관에 소장된 <아를에 있는 반 고흐의 방>은 그가 어머니와 누이를 위해 그린 세 번째 버전으로, 고흐는 상상 자신의 작품 중 가장 뛰어난 것을 복제하여 어머니와 누이에게 보내곤 했었다. 세 번째 버전을 그릴 때 고흐는 프로방스의 생 레미에 있는 생폴 드 모솔 정신병원에 입원 주이었다. 동거기간 중 고흐는 고갱격렬한 논쟁을 벌였는데, 이러한 갈등은 고흐의 귀를 자르는 발작으로까지 이어졌으며, 결국 두 화가를 결별에 이르게 만들었다. 이 사건 이후 고흐는 자신의 병을 깨닫고 스스로 정신병원에 입원하게 된 것이다.



고흐는 고갱이 떠나버린 것에 대해 대수롭지 않은 일인 듯 처신했으며, 그가 떠나게 된 이유가 사교적이지 못한 자신의 성격 때문이라고는 생각하지 않았다.

<아를에 있는 고흐의 방>은 고흐가 아를에서 고갱과 함께 보낸 행복한 시절을 추억하며 그린 것이다.

고흐가 동생 테오에게 쓴 편지에는 다음과 같은 내용이 적혀 있다. “그림을 보면서 마음의 안식을 느낄 수 있도록 해야 한다...”,“가구의 크기 또한 온전한 안식을 표현해야 한다.”

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<별이 빛나는 밤>

고흐에게 있어 형태와 색채는 자신의 감정을 표현하는 도구, 즉 타인들과 소통하지 못하는 데에서 오는 어려움을 극복하는 도구이자 자신의 마음 상태를 드러내는 도구였던 것이다.


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무관심에 대한 두려움을 나타내는 것으로 여겨지는 빈 의자는 반 고희의 작품에 흔히 등장하는 테마였다. 이 작품에서는 고갱이 아를을 떠난 후, 고흐가 느꼈던 외로움과 절망에 대한 상징으로 해석된다.

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빈센트 반 고흐는 1853년 네덜란드의 그로트 춘데르트에서 태어났으며, 화구상의 점원으로 일하다가 신학교에 입학하였고, 목사 생활을 하기도 했다. 이후 독학으로 그림을 공부하며 뒤늦게 화가의 길로 접어들었다. 또한 그는 파리의 생활에 싫증을 느끼고 아를로 향했고, 그곳에서 수 많은 명작들을 탄생시켰다.

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고흐는 “화면의 전체적인 구성과 각각의 사물들은 평온한 인상을 전할 수 있어야 할 것이다.”라고 했지만, 사실 왜곡된 선과 형태, 그리고 색채의 사용에서는 화가의 불안과 근심이 느껴진다.

 



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Posted by 이안아트

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